Alejandro Varderi
TEATRO EN NUEVA YORK:
ENTRE LO CLÁSICO Y LO NOVÍSIMO
Este
año el tan esperado Festival que se realiza en la Brooklyn Academy of Music (BAM)
durante el otoño neoyorkino, ha destacado por la
variedad de fascinantes trabajos multimedia y adaptaciones de obras de
dramaturgos universales, tendiendo un puente entre las nuevas tecnologías y las
formas clásicas de expresión. En tal sentido The End of Cinematics de Mikel Rouse reflexionó en torno al ocaso del cine como espectáculo, en el sentido moderno
del término, para desmenuzarlo a través de un sincretismo donde se combina
teatro, ópera, videoclips y los programas musicales
propios de MTV.
Arqueólogo
de la imagen y el sonido, Rouse combinó el rap, blues, hip hop, soul y funk tanto en la banda sonora como en la música en vivo. Una
película tridimensional sirvió de fondo a la representación, donde los actores
reproducen escenas del film creando un montaje de imágenes, gestos y sonidos
que rompe las barreras entre la experiencia teatral y la cinemática, espejeando
así el trabajo de artistas como Robert Wilson, Meredith Monk y Philip Glass. La diferencia
estriba en que aquí las influencias del videoclip y
MTV redimensionan la pieza, al tiempo que su uso le sirve al artista para
criticar la comercialización rampante del espectáculo teatral y cinemático. “Ahora cuando voy al cine siento que estoy
yendo más bien a un parque temático”, apuntó el director.
Con
este trabajo Rouse buscó recrear la capacidad
de sorpresa y el
hechizo que nuestra contemporaneidad le ha robado a estos medios. Al eliminar
digitalmente los caracteres en ciertas secuencias del film, a fin
de trasladarlos a la
escena teatral donde estaban siendo a su vez filmados y proyectados sobre otra
pantalla frente al escenario, el director nos presenta múltiples visiones que
borran las fronteras entre lo que observamos en vivo y a nivel virtual,
rompiendo así la continuidad teatral y cinemática simultáneamente.
Otro
espectáculo de características similares fue Mycenaean de Carl Hannock Rux donde se combina el video, la música electrónica,
la danza y el teatro. Basado en el mito de Hipólito según Fedra de Racine,
y en el impacto de la violencia exterior sobre el entorno urbano, esta obra
aborda el caos, la brutalidad y el miedo que el terrorismo y los fenómenos
naturales desencadenaron en Nueva York y Nueva Orleáns, respectivamente.
Imágenes de estos desastres se intersectaron con
vistas de otras ciudades en ruinas, paisajes lunares y vegetación en
descomposición, al tiempo que los actores monologaban en torno a la inutilidad
de las guerras y la destrucción de numerosas civilizaciones a lo largo de la
Historia.
El
sentido de irrealidad que la política contemporánea genera en nuestras sociedades,
y que según el director, refiriéndose a la guerra con Irak, tiene a la
población norteamericana en un estado de duermevela del cual no parece poder
sacudirse, se trasladó a la pieza mediante una coreografía donde los bailarines
colisionaban entre sí y con las paredes, al tiempo que sobre sus cuerpos se
proyectaban imágenes de megalópolis erosionadas por una violencia que no cesa.
Una
pieza donde también se unieron diversas disciplinas fue Violet Fire, ópera multimedia de Jon Gibson basada en la figura de Nikola Testa, científico e inventor en el siglo XIX, de numerosos aparatos conductores
de electricidad y precursores de la radio y el telégrafo. El uso de la música
minimalista y la digitalización de voces e imágenes que, como rayos de luz,
atravesaban los cuerpos de actores y bailarines, espejearon el movimiento de la
energía eléctrica, al tiempo que recorrían episodios biográficos en la vida de
Testa. Terry O’Reilly,
director del grupo teatral Mabou Mines, ensambló
texto, música e imágenes en un continuo puesto a ampliar las fronteras entre la
realidad y su percepción, a través de la actuación y el simulacro.
Pero
ningún trabajo llevó tan lejos estas premisas como la producción de The Tempest que Michel Lemieux y su grupo 4 D art basado en Montreal, trajo a BAM esta temporada. Aquí
cuatro actores en vivo se confrontan sobre la escena con seis hologramas de los
personajes que llegan a la isla de Prospero salvándose del naufragio. Esta
interacción entre el teatro tradicional y la tecnología contemporánea le
permitió a Lemieux unir pasado y presente, a través
de una pieza donde se verifica la premisa shakespeareana de darle vida al mundo sobrenatural contenido en la obra.
Esta
compacta versión de 90 minutos de duración sintetizó para nosotros el efecto
dramático que la luz artificial, la magia y las mascaradas imprimieron a las
producciones de la época. Según Lemieux, “The Tempest fue
escrita en forma de espectáculo multimedia, como si Shakespeare hubiese anticipado la tecnología de que hoy disponemos”. La excelente
sincronización entre los caracteres reales y virtuales profundizó en la
simulación, permitiéndole a Prospero “convencer” a los demás caracteres y al
público de lo justo de su caso, pero haciendo aún más evidente la doble moral
del personaje, quien no duda en esclavizar a Ariel y Caliban a fin de lograr sus objetivos.
Otra
obra de William Shakespeare que sorprendió por la
intensidad y el carácter lúdico de la sucinta puesta en escena fue Twelfth Night en versión del Chekhov International Theater Group de Moscú. Siguiendo
las convenciones del teatro isabelino, todos los personajes estuvieron
representados por hombres sobre un escenario sin efectismos, lo cual permitió
concentrar la atención en la excelente actuación
de este grupo
, apoyada por
una iluminación que puntuó los distintos espacios donde se desarrollaba la
pieza. La fluidez de la obra también se hizo patente en
el trabajo
corporal, más
expresivo aún que los rostros al momento de puntuar, por ejemplo, la
vulnerabilidad de Viola frente al impetuoso duque de Orsino,
mediante una coreografía que aunó teatro y danza al estilo de Pina Bausch y Twyla Tharp.
Pero
fue la misma Pina Bausch quien con Nefés (“respiración” en turco) nos trajo lo
mejor de la danza-teatro en esta pieza concebida como un homenaje a Estambul,
una ciudad que también ha sido víctima del terrorismo islámico. Encrucijada
entre oriente y occidente, convergencia de historias y culturas Estambul cobra
cuerpo en Nefés, obra estructurada en base a episodios
cortos, como la mayoría de los trabajos de Bausch de
las dos últimas décadas, donde los bailarines actúan y los actores bailan en
torno a un lago que va formándose en el centro del escenario a medida que la
pieza se desarrolla. Reflexiones acerca de la familia, el amor, la soledad, las
relaciones de pareja se combinan con una coreografía muy fluida, donde
sobresalen los solos dedicados a un aspecto específico de la geografía y
costumbres del pueblo turco, en sincretismo con la cultura europea occidental,
asiática y latinoamericana. En este sentido es de destacar el solo del bailarín
venezolano Fernando Suels Mendoza mientras a capella
entona “Mi querencia” de Simón Díaz. Tom Waits, Astor Piazzolla y la música turca, tanto tradicional como contemporánea, igualmente armonizaron
cada uno de los episodios ―“imágenes” según Bausch― donde la coreógrafa espera que “el público
encuentre un lugar para sí mismo”.
Henrik Ibsen también ha estado
representado en esta edición del Next Wave Festival mediante dos obras fundamentales: The Wild Duck y Hedda Gabler. La primera en versión del Nacional Theater de Oslo y dirigida por Eiriz Stubo destacó por la sobriedad de la actuación y puesta en escena, enfatizando así el
simbolismo y sentido del humor inherentes a la pieza, a pesar del sombrío
desenlace. Stubo introdujo algunos cambios en el
texto para contemporaneizar los temas y proponer una
serie de caracteres que, teniendo el rock de Elvis Presley y los Beach Boys de fondo, actúan sus dramas particulares, no como
arquetipos sino como seres de carne y hueso en los cuales el espectador de hoy
puede reconocerse y contrastar sus temores más íntimos.
De
manera similar, la producción de Hedda Gabler del Schaubürhne Theater de Berlín dirigida por Thomas Ostermeier,
trasladó la acción a este nuevo milenio, ubicando el drama en una casa de
diseño minimalista, donde las pantallas solares y las computadoras portátiles
sustituyeron la luz de gas y los manuscritos de la época. Katharina Schüttler como Hedda sedujo
al trío de personajes masculinos cuyas vidas acaban siendo decididas por ella;
pero no desde la obsesión sino desde una indiferencia estallando en la escena
final, cuando Hedda se autoinmola para escapar a una
vida que se ha vuelto insoportable. Se hace así realidad el sentido que el
propio Ibsen le dio a la pieza: “mostrar lo más
profundo de las emociones humanas según los principios y condicionamientos
sociales que cada época nos impone”. Una certeza que, gracias a este Festival,
hemos podido enfrentar con ironía y agudeza una vez más.
